BARCELONA, 23 May. (EUROPA PRESS) -
El Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA) recorre en una exposición la noción de teatralidad en el arte contemporáneo en una selección de más de 600 obras entre pinturas, esculturas, instalaciones, dibujos, fotografías, partituras, videos y manuscritos.
La exposición 'Un teatro sin teatro', que se podrá ver en el museo desde el 25 de mayo al 11 de septiembre, reúne obras de artistas tan dispares como Dan Graham, Andy Warhol, Tadeusz Kantor, Oskar Schlemmer, James Coleman, Ramón Gómez de la Serna, Federico García Lorca, Mike Kelley o Antonin Artaud, con piezas de principios de siglo XX hasta los años 80.
Este conglomerado de artistas están unidos por la "teatralidad como concepción del mundo", según explicó hoy el director del MACBA, Manuel Borja-Villel, quien quiso dejar claro que la exposición, comisariada por Bernard Blistène y Yann Chateigné, "no es sobre el teatro o la escenografía".
Con un video del entierro de Buenaventura Durruti se inicia la exposición del MACBA en la que se puede ver la 'Máquina de aniquilamiento' de Tadeus Kantor, un martillo de Artaud, diferentes ediciones de obras de Ramón Gómez de la Serna acompañadas de videos y dibujos, '30 dibujos de Thoreau' de John Cage, el video 'Lupe' de Andy Warhol, el documento 'Acusación y juicio de Maurice Barrès' de André Breton, el video 'Caos y creación' de Salvador Dalí y Philippe Haisman, películas de Samuel Beckett o el libro ilustrado de 'El entierro del conde Orgaz' de Picasso, entre otras obras.
Desde mediados de los años 60, la noción de teatralidad ha ocupado un lugar preeminente en la crítica de arte contemporáneo. El crítico Michael Fried consideró nocivo el arte minimal por que la obra podía absorver al espectador. Para Borja-Villel, es un momento en que la obra "se convierte en un acontecimiento".
A principios del siglo XX, el dadaísmo, el futurismo y el constructivismo expresaron claramente el vínculo entre renovación estética y modelo teatral, años en el que el cabaret o el music-hall se convirtieron en modos de presentación del arte para artistas como Antonin Artaud o Samuel Beckett.
'Un teatro sin teatro', que no sigue un discurso cronológico, se inicia en la confrontación entre la invención del arte minimal, con obras emblemáticas de artistas como Carl André, Robert Morris y Donald Judd, y su rechazo y contradicción por parte de la generación siguiente con creadores como Dan Graham, Bruce Naumann o James Coleman.
EL PAPEL DEL PÚBLICO.
En la obra de estos últimos se puede apreciar la importancia del texto, el peso del 'decorado' y la necesidad de una actitud nueva por parte del público, a veces interpelado directamente y siempre interrogado en la acción de percibir. El comisario Bernard Blistène dijo que una de las "cuestiones centrales" de la muestra es "el espectador y su presencia ante la obra".
Blistène aseguró que el hecho de que la exposición no siga un orden cronológico no priva de que estén conectadas las diferentes partes "en secuencias" y se puedan ver las relaciones entre el antiteatro dadá y el 'happening' en California con Flexus o el arte minimal y la Bauhaus.
La relevancia del mundo de la acción en directo en la obra del estadounidense Mike Kelley aúna las influencias de las subculturas del mundo del rock con las claves escénicas del futurismo y del dadaísmo, que ven continuado su ímpetu a través de movimientos como Flexus.
Otra parte de la exposición, dedicada al espacio público de la ciudad, aborda la conquista de la calle como el lugar en que representación y acción directa adquieren una dimensión política. "El artista lucha por la conquista de la ciudad y artistas como Ocaña son un referente", dijo Blistène.
'Un teatro sin teatro' se completa con una investigación llevada a cabo por Pedro G. Romero sobre las relaciones del arte y el modelo teatral en España con obras de Gómez de la Serna, Lorca, Antonio Mirlda u Ocaña.
